Luz, fotografía e instalaciones (22ª sesión - 30 de abril)

La sesión de hoy lunes 30 de abril se ha dedicado a trabajar aspectos relacionados con la luz, la fotografía y las instalaciones. La profesora nos ha explicado de manera teórica y con algunos ejemplos visuales en qué consisten estos tres temas en los que nos hemos centrado en la clase de hoy. En primer lugar, hemos abordado de manera teórica los temas de la luz, la fotografía y las instalaciones a través de una exposición realizada por María Jesús. Estos son los contenidos que se han tratado en clase sobre estos tres temas:

• La luz en el arte:

Para hablar de fotografía hay que conocer el funcionamiento de la luz y hablar de luz es hablar de sombras. Por ejemplo, a la hora de mezclar colores debemos de conocer la luz que tiene alrededor y de lo que le ilumina cerca. La luz es la base del arte. Sin luz lo visual no existe. La luz a lo largo de la historia del universo y del ser humano ha representado lo divino.

• El fuego:

El fuego es la forma que tiene el hombre de vencer la oscuridad.

• Lo obvio:

La luz y la sombra orientan visualmente para dar volumen, relieve o profundidad. La sombra es la proyección de un cuerpo. Su forma y tamaño nos indica la hora del día y la estación del año. Hay algunas creaciones artísticas formadas simplemente por sombras. La luz provoca las sombras. Las sombras son muy significativas en el arte. Hay algunas creaciones artísticas formadas simplemente por sombras.

• Tipos de iluminación: Hay diferentes tipos de iluminación:

Iluminación natural: Eugenio Recuenco es un artista de moda que suele trabajar con la iluminación natural a través de ventanas, creando la luz lateral. La iluminación también puede ser rasante, es decir, se ilumina a ras de la piel (aconsejable para destacar la forma del cuerpo o las texturas). La luz frontal nos quita las sombras, mientras que la luz lateral o la luz lateral elevada generará distintas sombras.

Iluminación artificial: Focos de luz difusa, focos que se hacen rebotar sobre un panel para que sea una luz más suave. La luz artificial puede ser continua o discontinua, es decir, se enciende y se apaga como una linterna. Nosotros realizaremos un trabajo de luz discontinua.

• Fotografía:

Cuando queremos fotografiar algo es importante el fondo. Son mejores fondos que amenicen, ya que no destacarán y resaltará más el objeto o la persona fotografiada. El fondo verde con un objeto rojo destaca muchísimo, igual que el fondo negro con un objeto blanco. La posición de la cámara también es muy importante, ya que también condiciona el objetivo de de nuestra fotografía: Fotografía de abajo hacia arriba, fotografía de arriba abajo, fotografía frontal, fotografía lateral. En un cuadro de Goya podemos ver como las personas están al ras. La luz además del control de color, también genera luz propia y pueden controlar su intensidad a voluntad. La luz generada por medios biológicos se denomina bioiluminación.

Hay muchas formas de trabajar la luz en plástica, por ejemplo, se puede trabajar la luz en el aula utilizando un reloj, a cada hora la luz es distinta, entonces se puede salir al patio para señalar a cada hora donde está la luz, es una manera de trabajar de una manera divertida con los niños.

Otro artista llamado Rafael Lozano-Hemmer, trabaja con luz y realiza instalaciones artísticas. En este caso realiza una cortina de tela y detrás hay fotografías de personas, delante hay unos focos enormes que iluminan la cortina y hace que no se vea nada. Cuando la persona intercepta la luz, se ve lo que hay detrás. Es decir, es una instalación interactiva, ya que solo cuando la gente intercepta la luz se descubre lo que hay detrás de la tela.

Hay otro artista italiano llamado Fabrizio Corneli que trabaja con la luz natural y artificial. Hace pequeños recortes de papel y proyecta luces. Tiene muchas obras de carácter religioso. Se necesita luz rasante, que va pegada a la pared y al iluminar se observan las sombras de la cara.

• La sombra:

Las sombras llaman la atención de los niños. ¿Pero qué significa no tener sombra? ¿Por qué Peter Pan no tiene sombra? Es una manera de plantear un debate a los niños. Se le desprende cuando salta por la ventana y ésta se cierra de golpe tras él.

Entendemos mejor el arte moderno que el arte antiguo, ya que tenemos más conocimientos de la historia actual que de la historia de épocas anteriores. Por ejemplo, en un cuadro de Simon Nor, podemos observar en la imagen un atardecer, pero en realidad muestra el declive de una ciudad.

Don Flavin fue un artista que trabajaba el animalismo a través de las luces y las sombras. Actualmente hay una nueva corriente en la que se está trabajando con LED.

Imagen 1. Las sombras. Realizada 

por Eduardo García Villanueva.

• Principios mínimos de la fotografía:

El objetivo de la cámara: Es el ojo de la cámara. El objetivo es complejo, porque tiene una serie de lentes para evitar distorsiones y para poder captar con nitidez lo que está viendo. Hay lentes de cristal o de plástico, también hay objetivos de una distancia u otra. La lente se puede mantener abierta o cerrada. Cuando vemos un objeto borroso es porque no ponemos el foco sobre ello. Hay veces que nos centramos en enfocar solo una parte de la imagen, mientras que lo demás se ve borroso. 1 es abierto, 16 es cerrado (como si estuvieses mirando por un tubo). El próximo día haremos las fotografías con el diafragma de manera lo más cerrada posible, desde el 5,6 hasta el 16. El diafragma es el equivalente al iris de nuestro ojo.

Concepto de velocidad: La cámara tiene muchas formas de disparar, es como si fuese una pistola. Puede disparar de manera lenta o rápida. Existen programas para disparar, en forma de barridos. La velocidad de obturación se puede poner a la baja (dejan atrás el haz de luz-ondas de los coches). Nosotros vamos a necesitar una velocidad de obturación muy baja (0,30), con un diafragma bastante cerrado y con la luz apagada.

Sensibilidad: La sensibilidad tiene que ver con los píxeles que tenga una cámara y dependerá de la calidad de imagen para captar lo que está ocurriendo. Tiene que ver con lo objetivos, si son o no luminosos. La sensibilidad viene expresada en Isos, a más bajo el Iso, más pequeños los píxeles pero más borrosa es la imagen.

Estas tres cosas están relacionadas, de tal manera que cuando ganas en una, pierdes en otra, en función del objetivo en el que te quieras centrar. Por ejemplo, si quieres más luz, debes bajar la velocidad. Dependiendo de nuestras preferencias, disminuiremos o aumentaremos unas cosas u otras. Existen tres formas para trabajar con la iluminación, en función de la forma y el tipo de iluminación (desde donde iluminas).

Imagen 2. Iluminación realizada por la profesora.

Realizada por Eduardo García Villanueva.

Imagen 3. Esquema de la cámara fotográfica.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

• Instalaciones:

¿Qué son las instalaciones? Las instalaciones tienen mucho que ver con la escultura, es una obra artística que se produce en el espacio y que hay que recorrerlo. El land art tiene que ver con las instalaciones porque está en el espacio y también con la naturaleza. La única diferencia es que utiliza como materiales la naturaleza, si no se utiliza la naturaleza se considera como instalaciones artísticas.

Una vez vista la parte teórica de estos tres temas, la profesora nos pidió que creásemos en grupos de trabajo una instalación. Nuestro grupo creó una "montaña" utilizando sillas, que simbolizaban el paso de la vida, con sus diferentes etapas. En la base había colocadas más sillas, que simbolizan la necesidad de forjarnos una buena base par poder ascender y seguir creciendo en nuestras vidas personales, de tal manera que cuanta mejor base tengamos, mejores serán nuestros pilares y nuestros principios.

 Imagen 4. Instalación de mi grupo

de trabajo. Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 5. Instalación de mi grupo

de trabajo. Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 6. Instalación de mi grupo de trabajo.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

Imagen 7. Instalación de mi grupo de trabajo.
Realizada por Miguel Bravo Vellón.

Examen práctico y teórico de la asignatura (21ª sesión - 27 de abril)

La sesión de hoy viernes 27 de abril se ha dedicado al completo para realizar el examen de la asignatura dividido en dos partes, en primer lugar hemos realizado la parte práctica del examen, y por último, hemos realizado la parte teórica. Como introducción al examen práctico que fue el que realizamos en primer lugar, la profesora nos comentó la temática del examen y en qué iba a consistir, ya que nosotros nos presentamos en el aula a ciegas, llevando al aula el material que nos pidió María Jesús, pero sin tener ni idea de los que nos iba a encargar. Por lo tanto, la profesora nos explicó la temática del examen, que consistía en elaborar un "Marina Forest", un alojamiento en la playa que estaría formado por diferentes servicios, los cuales iban a ser construidos por cada grupo de trabajo de clase. Nuestro grupo de trabajo eligió el tema de elaborar un puesto de perritos calientes, en el que había que elaborar el propio puesto del establecimiento, los delantales de los empleados, la comida y los precios de los alimentos ofrecidos, entre otras cosas más que se nos fueron ocurriendo. En definitiva, elegimos un tema concreto y lo desarrollamos de manera grupal, aunque cada compañero del grupo realiza una función concreta.

Por lo tanto, nos pusimos manos a la obra y durante 45 minutos estuvimos creando entre todos los miembros del grupo los productos y utensilios que había que elaborar para crear el puesto de perritos calientes. Cada miembro del grupo se centró en elaborar uno o varios productos, de tal manera que se fueron utilizando los distintos materiales que llevamos a clase: Varias cajas de cartón, cúter, tijeras, celo, cinta adhesiva, carboncillos y distintos tipos de telas. Finalmente, conseguimos crear el puesto de perritos calientes, que nos podría servir como el establecimiento del local. El puesto fue creado utilizando varios cartones, que se colocaron superpuestos para que fuese más grande, haciendo un agujero en la mitad de uno de ellos con el objetivo de que se viesen adecuadamente los alimentos que se iban a poner a la venta, además de que el vendedor del local pudiese asomar la cabeza entre los cartones, simulando que estaba dentro del puesto de comida. También, se nos ocurrió añadirle un toldo utilizando la tela para quitar el sol, que fue colocado encima de las cajas de cartón, pegándolo con cinta adhesiva. Dentro del puesto (cajas de cartón) se colocaron los productos que fuimos elaborando. En cuanto a los productos, elaboramos perritos calientes, una barra de pan, dürüm, un bote de ketchup y servilletas. Estos productos se crearon utilizando las cajas de cartón, cortando con el cúter las partes que nos hacían falta y cubriendo los productos con tela para que quedase más real. Para que la tela se quedase fija al cartón, pusimos celo y cinta adhesiva.

Por otro lado, creamos dos delantales para los vendedores del local. Estos delantales los hicimos cortando un trozo de tela a la misma medida que el cartón, que luego fue pegado con cinta adhesiva para que la tela quedase fijada al cartón. Por último, también creamos varios carteles con los precios de los productos, en concreto 4 carteles, que se elaboraron con cartones y se pintaron empleando los carboncillos.

En cuanto a mi trabajo de manera individual, realicé diferentes funciones y elaboré diferentes productos durante el tiempo dedicado a la creación de nuestro puesto de perritos calientes. En concreto, me dediqué a elaborar un bote de Ketchup utilizando varios trozos pequeños de cartón y superponiendo con cinta adhesiva la parte superior del bote, para darle mayor realismo. Por último, pinté con un carboncillo la palabra "Ketchup" para que se diferenciase de los demás productos. También, elaboré una barra de pan superponiendo dos trozos de cartón bastante largos pero finos, con la ayuda de la cinta adhesiva, y posteriormente lo recubrí con una tela de color amarillo, pegando la tela al cartón con celo, para que fuese muy realista con el color amarillo y se distinguiese que era una barra de pan. Por otra parte, con la ayuda de otros dos compañeros elaboramos unas servilletas, recubriendo con tela unos trozos de cartón que fueron cortados con cúter. La tela la pegamos con celo al cartón y finalmente tuvimos las servilletas hechas. Por último, con la ayuda de estos dos mismos compañeros, elaboramos los perritos calientes, que se crearon también cortando con el cúter determinados trozos del cartón, de los cuales unos trozos hacían la función del pan (los más grandes) y otros trozos simulaban las salchichas (los más finos). Posteriormente, pegamos con cinta adhesiva los trozos de cartón y los recubrimos con telas para simular los envoltorios de los perritos calientes.

Una vez finalizó el tiempo para elaborar el puesto de perritos calientes, llegó el turno de sacar todos los materiales creados, junto con nuestro árbol que elaboramos durante el curso, nuestro platanero. Todos estos materiales los llevamos al césped que hay junto al Aulario III, para colocarlos allí y realizar la exposición de nuestro grupo. Una vez allí, la profesora fue grabando grupo por grupo cada uno de los establecimientos que se fueron creando. Llegó el turno de nuestro grupo, en el que realizamos la exposición sobre nuestro establecimiento, explicando la elaboración de cada uno de los materiales y lo relacionamos con nuestro árbol, comentando que los niños pueden estar en la playa junto a un conjunto de árboles plataneros y pueden desear comerse un perrito caliente, por lo que hicimos una representación de una posible situación entre los niños y los vendedores del establecimiento. Todo esto fue grabado por María Jesús.

 Imagen 1. Materiales del grupo de trabajo 

de Daniel Hernández Toledano.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

 Imagen 1. Materiales del grupo de

trabajo de Daniel Hernández Toledano.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

Imagen 3. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

 Imagen 4. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

Imagen 5. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Realizada por Miguel Bravo Vellón.

Imagen 6. Trabajo del grupo de Daniel Hernández

Toledano. Realizada por Eduardo García Villanueva.

Una vez habían expuesto todos los grupos sus diferentes creaciones, nos dirigimos otra vez al aula para recoger los materiales que habían sobrado, para poder realizar la segunda parte del examen, en este caso la parte teórica. Este examen consistió en enumerar tres posibles preguntas que los profesores se pueden plantear para responder y comprobar que los niños han conseguido correctamente los objetivos planteados con la elaboración de un proyecto artístico, en este caso nuestro proyecto artístico del bosque que hemos desarrollado durante toda la asignatura. Estas preguntas podían estar relacionadas con la evaluación, la metodología, los materiales empleados, los distintos autores que hemos visto, la transversalidad con otras asignaturas, etc... en definitiva, con cualquier aspecto relacionado con el proyecto artístico que hemos llevado a cabo en el aula en todas estas sesiones. Una vez conseguí crear las tres preguntas, las di forma para enunciarlas de la manera más clara y concisa posible y le entregué el examen a María Jesús.

Land Art (20ª sesión - 26 de abril)

En la sesión de hoy jueves 26 de abril nos hemos centrado en abordar el tema del "Land Art". En primer lugar, para comenzar la clase la profesora nos habló sobre otro posible libro de lectura para la bibliografía de la asignatura titulado "La mirada creativa", y cuyo autor de origen suizo es Peter Jenny. En este libro aparecen muchos ejemplos y recursos artísticos para basarse y posteriormente utilizar con los niños en las clases de manera creativa.

A partir de aquí, comenzó la parte teórica de la sesión dedicada al "Land Art", en la que la profesora nos explicó en qué consiste y que características tiene, además de citarnos a varios autores famosos en este estilo junto a sus principales obras artísticas. Por lo tanto, lo primero que debemos preguntarnos es, ¿qué es "Land Art"? Pues bien, el land art es algo consustancial, no hecho por artistas de verdad, ya que de alguna manera u otra todos lo hemos hecho cuando éramos pequeños. El land art es por ejemplo, entre muchas otras cosas, cuando jugamos a hacer figuras, castillos o esculturas en la arena de la playa, cuando jugamos con las hojas en el parque o cuando jugamos con la nieve. Por lo tanto, el land art no tiene la intención pero sí la idea.

El land art es una filosofía que se puede resumir en los siguientes aspectos (María Jesús Abad Tejerina, 2018, Land Art): Anti-tecnología, la tierra da todo lo que necesitamos y anti-especulación con el arte. Tiene las siguientes características:

• Lo traducimos como Arte de la tierra o más aceptado Arte y Naturaleza.
• Robert Smithson, Nancy Holt y Carl André fueron a la galerista NY Virginia Dwan a pedir ayuda para desarrollar el proyecto. Fueron a New Jersey a comprar un terreno para intervenir.
• Dos años después se realizan dos exposiciones que marcan las pautas de esta manifestación artística:

1. Earthworks en la Galería Dwan NY (1968).
2. En el Museo de Bellas Artes de Boston titulada Tierra, Aire, Fuego, Agua (1969). Participaron Smithson, Oppenheim, Helzer... y europeos como Richard Long y Christo y Jeanne-Claude.
3. Paralelamente en Alemania se emitieron en televisión programas con los desarrollos y resultados artísticos de Walter de María, Jan Dibbets, Pistoletto, etc... a veces mezclado con arte povera y corrientes antiforma.

En definitiva, el land art tiene muchos objetivos, es el arte hecho en la naturaleza y es una vivencia. Además de los autores anteriormente citados, destaca un artista español llamado Agustín Ibarrola, que realizó un proyecto que consistía en realizar varias figuras en los árboles en dos dimensiones, pero lo sorprendente de esta obra es que cuando lo ves de lejos se ve en tres dimensiones. Además, en el land art se produce una relación entre la naturaleza y el individuo y se le considera como una de las ramas visuales. Se añade lo siguiente respecto al land art (María Jesús Abad Tejerina, 2018, Land Art):

• El hecho de que esté construida al aire libre no tiene porqué ser land art.
• Que esté realizado con elementos naturales tampoco.
• Se trata de:

1. El desarrollo conceptual del arte.
2. Sus reflexiones en torno al espacio y al tiempo.
3. El proceso tiene mucho peso en las obras.
4. Es arte efímero. Nace para degradarse de forma natural (estas obras hoy sólo existen como fotografías o grabaciones).

Uno de los temas más importantes del land art es renunciar al arte como objeto. Algunas de sus ramas están dedicadas a la concienciación de la naturaleza o en protestas contra la degradación del medio ambiente. Se trata de que el arte no sea una moneda de cambio. Se hace ver lo que está pasando, tiene relación con sucesos especiales y llaman la atención pero sin publicidad. El arte está pensado para decorar y la publicidad para vender.

El land art se asienta en los años 80. Vertientes del land art (María Jesús Abad Tejerina, 2018, Land Art):

1. Escultura.
2. Denuncia de la situación del medio ambiente.
3. Recrearse en la naturaleza e integrarse en ella.
4. Sentirse naturaleza (tender un puente entre el ser humano y la naturaleza).
5. Hacer del planeta un lugar bello.
6. Feminismo.
7. Relación entre escultura y arquitectura. Turrel.

Además, se añade lo siguiente dentro del Land Art:

• La importancia de la obra reside en el proceso de hacer.
• Las relaciones entre la obra y quien la experimenta.
• Es una experiencia vital.
• Tiene una tendencia a romper con los límites.
• Relación artística entre el ser humano y la tierra.

Dentro del Land Art, destacan los siguientes artistas con algunas obras destacadas:

• Obra de Pine Barrens --> Realiza una pirámide truncada en la que intenta hacer ver cómo queremos domesticar la naturaleza.
• El artista James Turrell, con su obra "El oculus" --> Se trata de un museo al aire libre.
• El artista Walter de María --> Diseña un campo con postes que atrae los rayos del sol. Estos postes son peligrosos.
• La artista Nancy Holt --> Diseña cuatro tubos en el desierto orientados hacia los punto cardinales y en determinadas fechas. Desde los tubos se pueden ver cómo se alinean los astros.
• En lo que respecta a los artistas españoles, tenemos a Laura Torrado, que creó unos pulmones dentro del agua. En cuanto a Ana Mendieta, trabajaba eficientemente con la tierra y abrió la brecha de los feminismos. Realizó la silueta con diferentes materiales. Cuando murió, quedó su silueta en el suelo.

Para finalizar la exposición teórica sobre el Land Art, la profesora nos comentó otro libro para la bibliografía de la asignatura titulado "Land Art y arte medioambiental" cuyo autor es Jeffrey Kastner. Se trata de un libro específico sobre el land art que aporta ideas para trabajarlo con los niños en el aula, ya que hay infinitas cosas que relacionan el land art con los niños.

Una vez finalizada la parte teórica de la sesión, nos pusimos a realizar de manera individual la actividad propuesta para la clase de hoy. Para realizar la actividad, tuvimos que seguir los siguientes pasos (se adjuntarán imágenes de la realización de la actividad durante la sesión):

• Dibujamos una bombilla en un folio blanco tamaño Din A4.

Imagen 1. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

• Recortamos la bombilla utilizando unas tijeras.
• Nos vamos a la cartulina gris y dibujamos la silueta de la bombilla utilizando el contorno del objeto recortado previamente.

Imagen 2. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

• Pintamos con tiza blanca la parte externa de la bombilla para simbolizar que es la iluminación de la luz de la bombilla.

Imagen 3. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

• Difuminamos el color blanco de la tiza y pintamos de color negro, utilizando el carboncillo, la parte superior de la bombilla, es decir, el casquillo.

Imagen 4. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

• Pintamos de negro con el carboncillo el resto de la cartulina y lo difuminamos, para ver el contraste entre el color blanco de la tiza (al lado de la bombilla) y el color negro del carboncillo (el resto de la cartulina).

Imagen 5. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

• Finalmente, con la ayuda del color negro difuminado realizamos tres líneas en la parte inferior del dibujo y empleamos la goma de borrar para observar el contraste de colores.

Imagen 6. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

Dibujo del natural con diferentes materiales (19ª sesión - 25 de abril)

En la clase de hoy miércoles hemos continuado con una sesión dedicada al dibujo, en este caso dibujo del natural, utilizando diferentes técnicas y materiales en función del objetivo a conseguir en las dos actividades que hemos llevado a cabo durante la sesión. En primer lugar y antes de comenzar con las actividades prácticas, María Jesús nos comentó en qué consiste este tipo de dibujo y cómo se lleva a cabo. Los aspectos destacados en los que nos vamos a centrar en la clase de hoy serán en dibujar las figuras en el espacio y conseguir alzarlas, para compararlas con los objetos de la realidad.

Por lo tanto, lo primero que debemos saber es qué es el dibujo del natural. El dibujo del natural es algo muy sencillo, por lo que consiste en saber pocas cosas y aplicarlas correctamente. El dibujo del natural está formado principalmente por tres aspectos, que son los siguientes:

1. Horizonte.
2. Verdad.
3. Proporción.

Una vez realizada esta introducción teórica sobre el dibujo del natural, nos pusimos manos a la obra con la primera actividad. Lo primero que realizamos fue dibujar el horizonte sobre un fondo (hoja de papel de color blanco). A continuación, se coloca el objeto delante, en mi caso un vaso de plástico vacío, y posteriormente se dibuja la base del objeto mediante una línea. Ahí ya tenemos la primera "verdad", nos disponemos a medir el ancho del objeto y medimos con una tiza o una regla cuánto mide la base. Posteriormente, medimos cuántas veces se encuentra la base comprendida en la altura del objeto. A partir de ahí, medimos a qué altura se va inclinando el objeto (cerrando, aunque en mi caso abriendo al ser un vaso de plástico) para observar que el objeto es simétrico. Una vez realizamos esto, medimos varias veces en diferentes zonas del objeto para ver sus proporciones (cuándo se estrecha, los diferentes ángulos, etc...). Los objetivos principales de realizar este tipo de actividades es que los niños dibujen lo que ven y no lo que saben (aunque generalmente los niños dibujen a la inversa), además de que otro de los objetivos es conseguir que los niños aprendan a medir a ojo cualquier objeto. Por lo tanto, realicé el dibujo del vaso de plástico siguiendo estos pasos, teniendo en cuenta que el objeto dibujado fuese proporcional al objeto real. A continuación, dibujé al lado el mismo objeto pero cambiando las dimensiones del objeto dibujado en primer lugar, en este caso reduciendo el tamaño a la mitad para observar las diferencias de tamaño y proporción. En esta primer actividad utilicé como materiales un vaso de plástico, un folio de color blanco, un lapicero para dibujar y una goma de borrar.

Imagen 1. Primera actividad, dibujo

vaso de plástico. Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

Cuando tuvimos terminado el dibujo de la primera actividad, pasamos al segundo ejercicio, en el cual teníamos que realizar el mismo dibujo pero cambiando los materiales. Utilizamos una hoja o cartulina de color negro, además de emplear la tiza para realizar el contorno del vaso. Una vez realizamos el dibujo con la tiza, aprovechamos para darle algunas sombras en alguna zona del vaso, en mi caso elegí el lado izquierdo del dibujo para rellenarlo con sombras.

Imagen 2. Segunda actividad,

dibujo vaso de plástico. Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

Imagen 3. Dibujo del vaso de plástico de las dos

actividades. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

Una vez terminamos de realizar los dibujos de estas dos actividades y para finalizar la sesión, la profesora nos recomendó otro libro para la bibliografía de la asignatura. El libro se titulaba "El arte de los niños" y el autor fue Corrado Ricci, un historiador del arte de origen italiano, que fue el primer autor que escribió sobre el arte infantil. Gracias a este autor y a esta obra, se le considera como la base de todo lo que se ha hecho sobre el arte infantil.

Dibujo, materiales y utilización (18ª sesión - 23 de abril)

La clase de hoy lunes se ha dedicado a desarrollar y trabajar el dibujo, los materiales necesarios y su correcta utilización (se irán adjuntando imágenes del desarrollo de la sesión, tanto de los materiales empleados por la profesora como de las actividades que realizamos en la clase). En primer lugar, la profesora dedicó la primera parte de la clase a realizar una exposición teórica con los conceptos y conocimientos que debemos conocer acerca del dibujo. Por lo tanto, comenzó por explicar en qué consiste dibujar. Pero ahora bien, ¿qué es dibujar? Dibujar, a diferencia de pintar, es una técnica o conjunto de técnicas que no implican color y con la utilización de materiales secos (lapicero, grafito y tiza). Tenemos que saber que la base del dibujo es el papel y que dependiendo de los materiales empleados obtendremos unos resultados u otros. Una vez definido qué es el dibujo, hay que diferenciar entre los tipos de dibujos que existen:

• Proyectivo --> Consiste en proyectar ideas en el papel (trabajado con los niños).
• Expresivo --> Para mostrar aquello que se siente (trabajado con los niños).
• Del natural --> Tomando como referencia la naturaleza, aunque en clase tendremos pocas oportunidades y será difícil de trabajar.

En definitiva, el objetivo es que los niños se expresen con el papel. En cuanto a los materiales necesarios para dibujar están los siguientes:

• Los lapiceros están hechos de madera que dependen de su corteza y del grafito, ya que tienen una elaboración muy compleja (aunque nosotros mismos podemos elaborar un lapicero). Hay muchos tipos de lapiceros, aunque los mejores son los japoneses. Existen diferentes tipos de lapiceros en función de la letra con la que van numerados:

1. Lapiceros B --> Son los más blandos (light), están numerados del 1 al 18 y dan mucho tono.
2. Lapiceros H --> Son los más duros (hard), también numerados del 1 al 18 y dan poco tono.
3. Lapiceros HB --> Son los que se encuentran en el punto medio, ofreciendo un tono medio. En el mercado suelen comercializarse del 1 al 8.

- Otro tipo de lapiceros son los palominos (lápices de Disney), que son de una gran calidad.

• Otro tipo de material son los carboncillos, que es un material muy dócil ya que permiten seleccionar las distintas líneas o rayas que hacemos sobre el papel, seleccionando las que más nos convengan para trabajar, ya sea difuminando o quitando a nuestro gusto. Es un material muy útil para aprender a dibujar. Existen también varios tipos de durezas. Este material procede de las ramas del sauce, las cuales se queman y se puede trabajar directamente con estas ramas quemadas o se machacan y se les puede sacar punta con una lija.
• También tenemos la lija como material de dibujo, que es muy útil para determinadas tareas como lijar papel, sacar punta a los lapiceros, etc...
• Por otra parte, tenemos el grafito que es un material muy noble y conductor de la electricidad. Podemos crear un dibujo solamente moviendo el grafito por la superficie en la que estemos trabajando. Se diferencia del lápiz en que el grafito no tiene madera por fuera. Se pueden emplear diversos materiales (lapiceros, grafitos, carboncillos y pinceles) para dibujar, y todos se pueden utilizar de forma húmeda debido a que se disuelven con el agua.
• Continuamos con los pinceles o paletinas --> Se pueden lijar y mojar mediante diferentes técnicas con los que se pueden conseguir tonos de diferentes colores. Lo más recomendado es tener un pincel limpio y  seco para retirar el borrador, otro para eliminar el exceso de material innecesario y otro pincel mojado para trabajar con él.
• Además, tenemos el borrador, que se puede lijar con ayuda de la lija para conseguir migas de borrador, y así poder tener un borrador de tono completo (es importante saber cuándo poner y cuándo quitar el borrador en el dibujo). Existen muchas formas de realizar esta técnica, una de ellas es el difumino, que se trata de un cartón enrollado y con punta (previo machaque de la punta). Con la ayuda de una piedra se ablanda la punta y posteriormente se lija. Con la utilización del difumino podemos suavizar los dibujos para que todo quede uniforme y para conseguir diferentes texturas.
• Por último, tenemos el celo adhesivo, que hay que arrugarlo, y sobre la superficie que se encuentra difuminada, se retira el material, dejando una huella de las dobleces del celo. En resumen, el difumino, el borrado tonal y el celo sirven para crear diferentes efectos en el dibujo. Por lo tanto, hay que tener en cuenta que todo lo que hacemos en un dibujo tiene significado y que todo deja huella en nuestro dibujo.

Todo esto en cuanto a los materiales para el dibujo, a continuación nos centramos en las plantillas:

• Una de ellas son las reservas, que son un tipo de plantillas en las cuales se tratan de coger dos hojas y dibujar algo en una de ellas para posteriormente poder hacerlo en la otra.

Imagen 1. Material empleado por

la profesora. Realizada por 

Eduardo García Villanueva.

Imagen 2. Material empleado por

la profesora. Realizada por 

Eduardo García Villanueva.

 Imagen 3. Material empleado por

la profesora. Realizada por 

Miguel Bravo Vellón.

Imagen 4. Material empleado por

la profesora. Realizada por 

Miguel Bravo Vellón.

Una vez finalizó la exposición teórica por parte de la profesora, nos tocó entrar en acción mediante dos actividades individuales relacionadas con el dibujo, aplicando los conceptos que vimos en la sesión. En la primera de ellas, tuvimos que dividir mentalmente un folio de color blanco tamaño Din A3 en cuatro partes y realizar mediante la técnica de reservas una montaña (o el elemento que fueras capaz de crear) en tres tonos diferentes, un color claro, un color medio y un color oscuro. La actividad se podía realizar mediante puntos, líneas o sombras. Por lo tanto, nos pusimos manos a la obra de manera individual. En primer lugar, me decanté por realizar el contorno de una nube en un folio normal, ya que me pareció una buena idea para emplear en el dibujo del paisaje, el cual utilicé para realizar los dibujos. Una vez conseguí el contorno, realicé 3 nubes, una al lado de la otra, empleando un color diferente en cada una de ellas (claro, medio y oscuro). A continuación, rellené el contorno de las tres nubes utilizando la silueta de la nube con la que realicé los dibujos. El material con el cual realicé los dibujos fue un lapicero, empleado para rellenar el contorno de dos nubes, además de emplear la técnica del difuminado utilizando el dedo y cierta cantidad de grafito del lapicero con el cual realicé las otras dos anteriores nubes para rellenar el contorno de la tercera nube, extendiendo el grafito por el dibujo.

 Imagen 5. Contorno de la nube empleado en las dos

actividades. Realizada por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 6. Actividad 1. Realizada
por Daniel Hernández Toledano.

Cuando logramos terminar la primera actividad, la profesora nos pidió que le diésemos la vuelta a la hoja para realizar la segunda actividad. Utilizando también el folio Din A3, nos pidió que realizásemos un paisaje de montañas (en mi caso un paisaje de nubes), empleando el contorno con el cual habíamos realizado la actividad anterior. Además, había que darle diferentes tonos a los dibujos, para trabajar el contraste de distancias entre lo claro y lo oscuro. Con esta actividad, nos dimos cuenta de que en un mismo paisaje, los colores más oscuros transmiten más cercanía que los colores claros. Por último, añadí un último elemento a mi paisaje, un Sol, el cual lo dibujé utilizando un tapón grande de una botella de plástico y rellenando el contorno con el lapicero, además de dibujarle los rayos.

Imagen 7. Actividad 2. Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

Para finalizar la sesión, la profesora nos recomendó otros dos libros más para la bibliografía de la asignatura y como un recurso personal para la docencia. Los títulos de los libros eran: "¿Cuándo dejaste de dibujar?", el cual trata aspectos relacionados con el hecho de que en gran parte de las personas el dibujo no evoluciona, por lo que los adultos suelen dibujar igual que los niños (si no siguen practicando la habilidad del dibujo) y "Dibujar la luz", en el cual vienen ejercicios y la historia de la evolución de la luz. Con estos libros lo que se quiere destacar es que hay que dejar que el niño dibuje lo que quiera, pero hay que enseñarle que se tiene que centrar en lo importante y no en detalles que no sirven.

Performances grupales con los árboles (17ª sesión - 20 de abril)

Durante la clase de hoy hemos tratado el tema de las "performances". En primer lugar, la profesora nos explicó de manera teórica en qué consisten y nos dio algunos ejemplos de artistas famosos que han realizado algunas performances a lo largo de su carrera profesional. Lo primero que tenemos que saber es qué es una performance, que consisten en historias curiosas en las que los protagonistas cuentan un hecho o acción concreta hacia los demás mediante la utilización de su propio cuerpo, en las que no existe ningún tipo de reglas o límites ni en el tema ni en la duración de la obra, con el objetivo de querer simbolizar una situación concreta de la vida cotidiana.

Además, la performance tiene como objetivo pasar del arte objeto al arte sujeto y se caracteriza por ser una pieza artística. Lo importante de la performance es que se tiene que realizar con el propio cuerpo del artista. La performance proviene del teatro y empezaron realizando barbaridades como por ejemplo orgías o matar animales y meterse dentro de ellos. Además, la performance está relacionada con el body art y se transmite de manera oral, mediante fotos o vídeos (actuación visual). Algún ejemplo de una performance rápida podría ser, por ejemplo que alguien se tire al suelo, se le realizan fotos y se publican en las redes sociales, poniendo que un/a alumno/a ha muerto, pidiendo que se realice una oración por su alma.

Algunas de las posibles críticas a las performances podrían ser: ¿Hasta donde podemos llegar con el arte? ¿Existen límites en el arte a través de las performances? Algunos críticos opinan que deberían existir una serie de límites o reglas para saber qué se puede hacer o no, qué es moral o no. Por lo tanto, se juzgan los límites de las performances en el arte entre lo legal y lo moral.

Algunos autores destacados en las performances pueden ser Marina Abramovic, que es una artista serbia que ha realizado muchas performances a lo largo de su carrera. Por otro lado, hay que destacar a un artista alemán llamado Joseph Beuys, que fue un artista que se centró en la "escultura social", que realizó una obra en la cual colocó 3 papeles en el centro del escenario con una palabra escrita en cada uno de los papeles, teniendo que relacionar dichas palabras con una imagen, dibujo o idea. Con esta obra o actividad nos damos cuenta de que siempre se relacionan los mismos dibujos o ideas con las mismas palabras.

La última parte de la sesión se dedicó a realizar y a crear en grupos de trabajo una performance relacionándola con el árbol que construimos para el proyecto de la asignatura. No había límites en el tema a exponer ni en la duración de la obra. Por lo tanto, nos pusimos a crear nuestra performance en grupos. Una vez estuvieron creadas las performances, se expusieron en grupos al resto de la clase.

A nuestro grupo se nos ocurrió simbolizar un suicidio, en el cual un miembro de nuestro grupo se encontraba en una mala situación personal y el resto de los miembros del grupo estábamos dando vueltas alrededor del árbol incitándole a que se quitase la vida, como si fuésemos su conciencia. Para finalizar la obra, nuestro compañero cayó al suelo tras producirse el suicidio. A continuación, se adjuntan imágenes de las performances de algunos de los grupos de clase.

 Imagen 1. Performance del

grupo del tilo. Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 2. Performance del grupo

del árbol diversidad. Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 3. Performance del

grupo del sauce I. Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 4. Performance del grupo de la palmera.

Realizada por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 5. Performance del

grupo del magnolio. Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 6. Performance del grupo del cerezo.

Realizada por Daniel Hernández Toledano.

Imagen 7. Performance del

grupo del chopo. Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

Exposiciones y evaluaciones grupales de los árboles (16ª sesión - 19 de abril)

En la clase de hoy, nos hemos dedicado a realizar las exposiciones, evaluaciones y calificaciones de cada uno de los grupos de trabajo en lo que respecta a los árboles del proyecto del bosque. En primer lugar, la profesora nos dio una serie de pautas y conocimientos previos acerca de lo qué es y en qué consiste evaluar. Lo primero que nos dijo en relación a esto fueron los tipos de juegos que existen, que se pueden dividir en los siguientes:

• Juegos competitivos --> Son aquellos en los que unos ganan y otros pierden.
• Juegos de habilidad --> Son juegos en los que se desarrolla la técnica, la táctica o la imaginación de algo concreto para conseguir el objetivo, además de que aprenden determinadas cosas.
• Juegos socializadores --> Juegos que consisten en el conocimiento de uno mismo y de los demás, favoreciendo las relaciones interpersonales, en los que se experimenta hasta donde pueden llegar los demás.
• Juegos simbólicos --> Son juegos en los que se aprende a imitar la realidad y son en los que se produce un máximo rendimiento del niño. Con la creación que hemos llevado a cabo con el árbol hemos desarrollado un juego simbólico.

A través de este tipo de juegos, las personas aprendemos a expresarnos y a ponernos en el lugar del niño. En la educación artística, los niños aprenden constantemente a expresarse y a ser personas creativas e imaginativas. Ahora bien, ¿cómo podemos evaluar la educación artística?

• En primer lugar, hay que conseguir ponerse en el lugar del niño, siendo conscientes y teniendo muy en cuenta que podemos provocar una frustración en alguno de ellos al decirles que algo está mal después de haber puesto su empeño y esfuerzo en realizarlo.
• Otro aspecto importante a destacar es que en la educación plástica, como en el resto de áreas, existen distintos ritmos de trabajo entre los propios alumnos, por lo que habrá que adaptarse a los diferentes ritmos de aprendizaje de cada uno.
• También hay que tener en cuenta que es importante conocer la capacidad que tengan los niños para expresarse y mejorar día a día, además de la capacidad de trabajo de cada uno.
• Por último y centrándonos en el proyecto que estamos desarrollando, hay que emitir un juicio en positivo de lo que estemos trabajando, en este caso los árboles.

Una vez visto esto como introducción al proyecto que estamos desarrollando en esta asignatura, podemos darnos cuenta de que en nuestro proyecto hemos aprendido multitud de cosas, entre ellas la escultura, la pintura, cómo se pegan distintos materiales, la economía de medios, la realización de diferentes construcciones... en definitiva, hemos tratado diferentes aspectos que nos han hecho mejorar en nuestra educación artística, pero lo más importante es que lo hemos trabajado como un juego. Todos estos aspectos nos sirven para conocer y resolver los problemas, desarrollar potencialidades y también para elevar el nivel de frustración, ya que en la vida no todo sale como lo esperamos, por lo que hay que estar preparados para un cierto fracaso que nos servirá para autosuperarnos en el futuro.

Respecto a los aspectos que hay que tener en cuenta para evaluar los árboles, lo podemos dividir en una parte objetiva (qué y cómo se ha hecho) y otra parte conceptual (qué quieres contar con lo que has hecho y si has sido capaz de transmitirlo). Además, podríamos calificar la calidad de los materiales, si las técnicas empleadas son las correctas, las dimensiones, si se ha presentado con limpieza, si ha tenido una buena ejecución en el proceso, si se ha mantenido la misma línea de trabajo, la constancia... Mientras que en relación a los aspectos formales hay que tener en cuenta el espacio, los colores, las proporciones, si le da o no movimiento y las composiciones. En cuanto a los aspectos simbólicos hay que tener en cuenta los símbolos de la estructura, que sea un producto creativo, la originalidad, la flexibilidad en el trabajo, que la elaboración sea buena, que se desarrollen conocimientos y capacidades y tener una actitud positiva hacia el área artística.

Una vez se explicaron estos conceptos previos, se dieron paso a las exposiciones grupales sobre cada uno de los árboles, en total 12 grupos, en los que cada uno fuimos comentando las dificultades que nos encontramos en la creación de nuestro árbol, y cómo fuimos solventando cada uno de estos problemas, para que todos los grupos supiésemos las dificultades que habían tenido el resto. Cuando todos los grupos habíamos realizado la exposición, nos centramos en evaluar y calificar a cada grupo por separado. Para ello, elaboramos una tabla con diferentes ítems en la cual fuimos puntuando en función de si conseguían o no el objetivo. Los ítems a evaluar fueron:

1. Color (1 punto).
2. Dimensiones (1 punto).
3. Materiales adecuados (1 punto).
4. Composición (1 punto).
5. Tridimensión (1 punto).

Cada uno de los ítems valía 1 punto, por lo que la suma total era de máximo 5 puntos, que se sumaban a un máximo de otros 5 puntos que valoraban el resultado final del árbol, por lo que la nota máxima final era sobre 10. Además de la nota numérica de cada apartado y de la nota final, realizamos un breve comentario entre 1 y 2 líneas de cada grupo, en el que explicamos lo que más nos había gustado y los posibles aspectos a mejorar. Esta tabla de evaluación se la entregamos a la profesora con los nombres y apellidos de los miembros de nuestro grupo. A continuación se adjuntan las imágenes de los 11 árboles de cada grupo (exceptuando el nuestro que como es lógico no tenemos que evaluar), además de la imagen de los ítems que había que evaluar, junto al orden de los grupos y el tipo de árbol de cada uno.

 Imagen 1 (ítems a evaluar). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 2 (palmera). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 3 (magnolio). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 4 (sauce I). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 5 (cerezo). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 6 (platanero I). Realizada

por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 7 (ginkco). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 8 (diversidad). Realizada
por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 9 (naranjo). Realizada
por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 10 (chopo). Realizada
por Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 11 (sauce II). Realizada
por Daniel Hernández Toledano.

Imagen 12 (tilo). Realizada por

Daniel Hernández Toledano.

Finalización de la estructura y creación del árbol en grupos (15ª sesión - 18 de abril)

En la sesión de hoy miércoles y tras varias sesiones de trabajo con nuestro árbol, nos hemos dedicado a terminar de realizar la estructura del árbol para el bosque que hemos estado creando en grupos de trabajo para el proyecto que se está llevando a cabo durante el desarrollo de esta asignatura (se irán adjuntando varias imágenes de nuestro grupo de trabajo sobre el desarrollo de la sesión). En primer lugar, nos hemos dedicado a arrugar y doblar las hojas que pintamos en la clase anterior, que como es lógico ya estaban totalmente secas.

A continuación, nos pusimos a colocarlas en las diferentes ramas que forman el árbol y las distribuimos por toda la estructura para que quedasen repartidas. Para pegarlas, utilizamos "super glue", para que se quedasen bien fijas a las ramas, echando un poco de pegamento en el tallo de la hoja y pegando el tallo a la rama. Además, pintamos con un pincel empleando el color verde a lo largo de las ramas que tenían hojas, para darle una serie de detalles y que quedase lo más creíble y realista dentro de lo posible.

 Imagen 1. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 2. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Por otra parte, cogimos una de las setas que elaboramos a principios de curso utilizando la arcilla, y la pintamos con color rojo y algunos puntos de blanco para colocarla en la base del árbol, empleando para ello la cola blanca (en la base de la seta). También, añadimos algunas plantas y flores que encontramos para adornar un poco más la base del árbol, teniendo en cuenta que en la base ya estaban colocadas algunas hojas de diversos tamaños (pequeñas y grandes) y colores (verdes y marrones), que simulaban la caída de las hojas del árbol.

 Imagen 3. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 4. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 5. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Por último, para aumentar el número de hojas de nuestro árbol, decidimos salir a la calle a coger unas cuantas hojas más y colocarlas en las ramas. Por lo tanto, una vez estaban cogidas todas las hojas, las fuimos distribuyendo por las diferentes ramas, para que la copa del árbol quedase lo más poblada posible, dándole una mayor sensación de credibilidad y realismo a la estructura del árbol.

 Imagen 6. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 7. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 8. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

En resumen, quedó terminado nuestro árbol en grupo, que se trata de un platanero, que hemos intentado crear lo mejor posible para acercarnos a la realidad, empleando para ello muchos materiales y nuestro esfuerzo y dedicación para llegar hasta el punto en el que se encuentra ahora, que es el momento de evaluar nuestro trabajo de varias sesiones.

Imagen 9. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

 Imagen 10. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 11. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.

Imagen 12. Trabajo del grupo de

Daniel Hernández Toledano.